Nominierte 2026

Ensemble Unusual Symptoms/tanzbar_bremen in »The Tide« | Theater Bremen, eine Kooperation mit tanzbar_bremen

Jury-Begründung:

»Unusual Symptoms« schafft auf der Bühne einen Raum des Zusammenlebens. Es sind die subtilen Qualitäten der Präsenz und die echte (nicht gespielte) Verletzlichkeit, die fesseln. Eine Performance, die so tief von der Realität durchdrungen ist, manifestiert eine Präsenz, die frei von narzisstischen Tendenzen ist, und führt so den Tanz zu einem Ausdruck der Notwendigkeit. Das Werk zeichnet sich durch die Vielfalt seiner Darsteller:innen und durch die Art und Weise aus, wie sich Tänzer:innen mit und ohne Behinderungen gemeinsam bewegen, um einen Raum des Zusammenlebens zu gestalten. Anstatt Unterschiede als Repräsentation zu betonen, ermöglicht die Choreografie verschiedenen Körpern Raum, Handlungsfähigkeit und Präsenz zu teilen, wodurch ein Beziehungsfeld entsteht, das auf gegenseitiger Anerkennung gründet.

Die gezeigte Verletzlichkeit erscheint als gelebter Zustand und trägt bei zu einer Atmosphäre der Authentizität und Achtsamkeit. Die Darsteller:innen bewahren eine Art des Seins, die offen, exponiert und tief mit der Realität ihrer Erfahrung verbunden bleibt.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Der seit 2018 dem Stuttgarter Ballett angehörende Tänzer Martino Semenzato, seit 2025 Solist, überzeugt in seiner Rolle in »Oh Dear« durch eine außergewöhnlich intensive und vielschichtige Darstellung Franz Kafkas. Mit großer Glaubwürdigkeit verkörpert er das Leben und Leiden des Schriftstellers, seine Zweifel, Ängste, Hoffnungen und Beziehungsnöte auf dem Weg zur Selbstakzeptanz. In der Begegnung mit Schlüsselfiguren und seinem Alter Ego entfaltet Semenzato ein berührendes Rollenporträt von hoher emotionaler Dichte.

Besonders beeindruckend ist seine Fähigkeit, Gegensätze zu vereinen: Seine Darstellung ist kraftvoll und zugleich fragil, technisch präzise und von großer menschlicher Verletzlichkeit geprägt. Dank seiner hohen Bewegungsqualität, seiner Ausdrucksstärke und Bühnenpräsenz gelingt es ihm, die Spannung des Werkes durchgehend zu tragen. Er macht erfahrbar, dass Schwäche kein Versagen bedeutet, sondern auch Ausgangspunkt für persönliche Entwicklung und kreatives Schaffen ist.

Jury-Statement (ENG)

Shirin Ali als Hamlet in »Hamlet« | Nationaltheater Mannheim

Jury-Begründung:

Shirin Ali als Hamlet am Nationaltheater Mannheim ist ein Ereignis: energiegeladen, trotzig und verletzlich zugleich. Unter der Regie von Nuran David Calis wird ihr Hamlet zu einer Figur von großer Unmittelbarkeit: ein junger Mensch, der denkt, zweifelt, trauert, wütet und doch nicht verstummt.

Shirin Ali spielt Hamlet mit einer Präsenz, die den Raum elektrisiert: wach, körperlich, präzise, gefährdet und zugleich von gewaltiger Kraft. Sie liest die Rolle nicht bloß neu, sondern stößt sie in unsere Gegenwart – radikal lebendig. Shirin Ali zeigt eine Seele im Ausnahmezustand, hellsichtig, fragil, rebellisch. Zartheit und Trotz, Intelligenz und Schmerz, Verlorenheit und Widerstand durchdringen sich in jedem Moment. Ihr Spiel macht die berühmten Sätze existenziell, die Wut verständlich, die Trauer greifbar. So entsteht ein Hamlet, der aus dem Heute spricht und die alten Fragen mit neuer Dringlichkeit auflädt. Diese Darstellung ist atemberaubend.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Jens Harzer entführt uns in »De Profundis« in die titelgebenden Tiefen und Abgründe einer menschlichen Existenz und lässt uns daraus herausschauen – auf nichts weniger als die Welt und das Sein. Auf engstem Raum, der anfangs dunkel, irgendwann hell ist, mal in kaltem, mal in warmem Licht, nimmt Jens Harzer auf spektakuläre, gedanklich scharfe, emotional tiefe Weise das Publikum mit auf die innere und äußere Reise, die Oscar Wilde über zwei Jahre im Zuchthaus durchleben musste: Am Anfang zeigt Harzer einen Mann, der mit seinem unheilvollen Geliebten abrechnet, der sich seiner eigenen Eitelkeit bewusst ist und dennoch seinen Stolz bewahrt. Der sich an die Bedeutung als Künstler klammert, der immer deutlicher delirierend wahnsinnig wird: vor Einsamkeit, physischem und metaphysischem Schmerz. Und der am Ende als ein anderer Mensch, weniger geläutert als gezeichnet, das Gefängnis verlässt. Jens Harzer ist auf der Bühne ein existenziell Suchender und das ist schlichtweg ein Ereignis.

Jury-Statement (ENG)

Ambur Braid als Katerina Lwowna Ismailowa in »Lady Macbeth von Mzensk« | Komische Oper Berlin

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Jury-Begründung:

Mit ihrer Interpretation der Renata in Prokofjews »Der feurige Engel« gelingt Nadine Lehner eine exzeptionelle künstlerische Leistung, die musikalische Exzellenz, darstellerische Radikalität und menschliche Wahrhaftigkeit vereint. Renata gehört zu den anspruchsvollsten Frauenfiguren des Musiktheaters des 20. Jahrhunderts. Sie glaubhaft zu gestalten, verlangt weit mehr als stimmliche Brillanz: Es erfordert die Fähigkeit, innere Zerrissenheit, spirituelle Ekstase und psychischen Abgrund gleichermaßen erfahrbar zu machen.

Nadine Lehner gelingt dies auf höchstem Niveau. Mit erschütternder Intensität zeichnet sie das Psychogramm einer Frau, die zwischen religiöser Verklärung und zerstörerischer Obsession gefangen ist. Ihre Darstellung entwickelt eine Sogwirkung, die das Publikum nicht mehr loslässt. Dabei beeindruckt nicht nur die darstellerische Konsequenz, sondern ebenso die vokale Meisterschaft. Die fordernde Partie gestaltet Lehner mit großer Ausdrucksvielfalt, Ausdauer und technischer Souveränität. Ihre Stimme bleibt selbst in extremen emotionalen Zuständen tragfähig, differenziert und berührend. Sie macht Renata nicht zur Sensation, sondern zum Menschen.

Jury-Statement (ENG)

Daniela Mohr in »Heimsuchung« | Theater im Marienbad

Jury-Begründung:

Daniela Mohr, seit 1990 am Freiburger Theater im Marienbad, kann mit ihrer Kreativität, Offenheit und Tiefe jede Geschichte zu ihrer eigenen machen. In Tom Schneiders Inszenierung »Heimsuchung« – einem fast zweistündigen Soloabend – ist sie die Mitte. Die Geschichte handelt von einem Grundstück, das von der Eiszeit bis ins 20. Jahrhundert unterschiedliche Menschen beheimatet, die ein Heim suchen und heimgesucht werden.

In einem Werkraum lassen Tom Schneider und Daniela Mohr die Bilder dieses Grundstücks mit Erde, Wasser, Stoffen, Steinen, Baumwurzeln, Bilderrahmen, Loopstation, Recorder und Livekamera geschickt und sinnreich aufleben. Die Darstellerin gibt sich den anspruchsvollen Bühnenvorgängen so hingebungsvoll hin, dass die Zuschauenden mühelos Geschichten nachempfinden können, die sich über hundert Jahre erstrecken. Daniela Mohr macht sich im wahrsten Sinne die Hände schmutzig, bedient eine Loopstation oder Livekamera und lässt nichts davon technisch wirken. Ihr Spiel fühlt sich vielmehr wie ein Sein an. Wie eine Spurensucherin folgt sie jeder Geschichte in ihren dunkelsten Winkeln. Sie berührt und überzeugt.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Nergiz (gespielt von Sibel Polat) ist die Sympathiefigur des Stücks »Endland«. Mit viel Wärme erzählt sie von ihrer Familie, mit Zuversicht von der Zukunft. Und dabei steht sie vor einem Waldstück mit einer Mauer, von der sie nicht weiß, was sie dahinter erwartet. Das Stück ist die gestaltete Zukunftsvision eines Landes, in dem alle Aussagen der AfD durchexerziert werden: Nergiz wird da als geflüchtete Person als Invasorin bezeichnet. Sibel Polats kurdische Nergiz flüchtet vor Armut, anhaltender Dürre und politischer Verfolgung aus der Türkei nach Deutschland. Und sie spielt sie offen, unprätentiös und immer glaubwürdig. Ihre Darstellung einer Person, die in der größten Not menschlich bleibt und zu ihren Prinzipien steht, wird ergänzt durch eine lange Sequenz, in der sie echte Zitate von AfD-Politiker:innen spricht. Das ist auf eine Art die schwerste schauspielerische Leistung.

Sibel Polat spricht die Zitate neutral und trotzdem verständlich, liefert sie gewaltfrei ab, ohne in die Reproduktion abzurutschen, die in der Gewalt des Inhalts steckt. Das Stück spielt 2030 – nur knapp fünf Jahre in der Zukunft. So hart das Stück und so unerträglich die erzählte Geschichte sind, so wichtig ist es, sie zu erzählen. Sibel Polat ist dabei Dreh- und Angelpunkt der Inszenierung. Mit ihren vier Kolleg:innen eröffnet sie ein Grauen, in dem Jugendliche aktuelle und künftige Gefahren offengelegt bekommen. Und aus dem sie selbst vielleicht ein wenig kämpferischer und menschlicher herausgehen können. Wie Nergiz.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Die Inszenierung basiert auf einem wichtigen, gut gebauten Text und auf dem Spiel von Trigal Sandberger Cañas. Gemeinsam mit ihrem Spielpartner Marius Petrenz teilt sie sich den Part des Ich-Erzählers. Beide verkörpern zwei Seiten des namenlosen Protagonisten. Der erinnert sich an seine Jugendzeit, an einen ganz speziellen Sommerabend, eine Party, Flaschendrehen, einen ersten Zungenkuss und mehr, was er nicht wollte. Trigal Sandberger Cañas verfügt über eine große Direktheit in ihrem Spiel und in ihrer Sprachbehandlung. Und diese Direktheit zeigt sie hier auch im Zusammenspiel mit ihrem Partner auf der Bühne und mit dem Publikum. Sie agiert mit großer Offenheit, nie hermetisch.

Das Ausdruckspensum von Trigal Sandberger Cañas beim Skizzieren der unterschiedlichen Figuren rund um den Ich-Erzähler erscheint unerschöpflich. Durch ihr Spiel wirken die Situationen so echt und natürlich, dass man sich als Zuschauer:in in die eigene Teenie-Zeit zurückversetzt fühlt, an eigene Erfahrungen anknüpfen kann. Mit großer Sensibilität und Überzeugungskraft werden Unsicherheiten und Peinlichkeiten dargestellt. Dabei agiert sie humorvoll, ohne die Figuren lächerlich zu machen.

Jury-Statement (ENG)

Ivan Alboresi für »Giselle« | Theater Nordhausen/Loh-Orchester Sondershausen/Ballett TN LOS!

Jury-Begründung:

In seiner Neudeutung des Klassikers entwickeln Ivan Alboresi und sein Ensemble einen eigenständigen Zugang zum Werk. Mit einfachen Mitteln, begrenztem Raum und einer vergleichsweise kleinen Besetzung von 14 Tänzer:innen, erzählt er die vertraute Geschichte in einer fließenden, mutig vom Original abweichenden Bewegungssprache – barfuß und erdig, ohne die romantische Poesie des Werks zu verlieren. Die Handlung wird auf ihren Kern reduziert, Nebenfiguren entfallen, die psychologischen Beziehungen der Hauptfiguren werden neu interpretiert. Vier Solist:innen sind dabei in ein präsentes Ensemble eingebettet, das als »fünfte Hauptrolle« den Abend maßgeblich mitprägt. Das schlichte, wirkungsvolle Bühnen- und Kostümbild unterstützt die Neuästhetisierung des bekannten Stoffes.

In dichter Bildsprache entwickelt Alboresi klar nachvollziehbare Handlungsabläufe, ohne die Vorlage direkt zu zitieren. Die Welten der beiden Akte – heiter und bodenständig sowie nächtlich und düster – sind deutlich voneinander abgegrenzt, ohne in folkloristische oder ätherische Klischees zu verfallen. Ergänzt durch elektronische Klänge fügt sich die Choreografie nahtlos in Adolphe Adams Komposition ein. So entsteht ein fesselndes zeitgenössisches Handlungsballett, das dem Werk eine frische Perspektive verleiht und als geschlossenes Ganzes überzeugt.

Jury-Statement (ENG)

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Jan-Christoph Gockel für »Wallenstein« | Münchner Kammerspiele

Jury-Begründung:

Jan-Christoph Gockels »Wallenstein« ist sinnliches, politisches und relevantes Theater, das aus dem Vollen schöpft. Die Inszenierung zerlegt das kriegerische Gruselkabinett, das täglich in der Wirklichkeit stattfindet, mit allen Mitteln, die das Theater zur Verfügung hat, in seine Einzelteile und legt es damit offen. Schillers »Wallenstein« wird hier mit der Geschichte um den Chef der Wagner-Truppe Prigoschin zusammenerzählt. »Putins Koch« und die Küche, auf der live und duftend gekocht wird, verbinden sich gedanklich und sinnlich miteinander. Überhaupt ist alles an dieser Inszenierung überbordend und zwingend verdichtet. So wirkt das fast siebenstündige Spiel mal erschreckend, mal urkomisch, oft beides gleichzeitig ist. Ein beeindruckendes, sich verausgabendes und spielwütiges Ensemble bringt die Schiller’schen Verse und politischen Befunde selbstverständlich nah ans Hier und Jetzt. Eine große Schauspiel-Inszenierung mit Puppenspiel, Medien, Live-Video, die aufs Eindringlichste die Relevanz des Mottos der Münchner Kammerspiele veranschaulicht: »Die Wirklichkeit nicht in Ruhe lassen.«

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Eingezwängt in einer engen, froschgrünen Küche stehen Eugen Hinkemann und seine Frau Grete. So krumm und schief wie der Raum ist da auch schon ihre Beziehung, sind ihre Seelen. Eugen, kriegsversehrt, »entmannt«, im Hader mit dem Männerbild der Zeit, und Grete, die nicht weiß, wie sie ihm begegnen soll. Anne Lenk lässt ihre Spielenden hoch einsteigen, direkt im Ton, ohne Umschweife auf den Punkt kommend: Was ist der Mensch? In der schrägen Mini-Küche sind die Figuren wie unter einem Vergrößerungsglas sichtbar, rücken ganz nah an das Publikum heran. Stark, kein Ton verrutscht.

Dann bricht der Raum auf: Anne Lenk lässt mit wenigen Mitteln einen Assoziationsraum entstehen, der deutlich über ein zeitgebundenes Sozialdrama hinausweist. Zu Fratzen verzerrte Gesichter in Videoprojektionen, Text-Collagen, eine tanzende Gruppe mit Kinderschwellköpfen – ein Gruselkabinett gewaltvoller Männlichkeit.

Die Regisseurin ist souverän in ihrer inszenatorischen Sprache. Ihre Ästhetik hat eine unverwechselbare Stilistik. Und gerade daraus gewinnt sie die Freiheit, etwas zu riskieren, auszuprobieren und sich dem tragischen Ende zu entziehen. Selbstbewusst setzt sie Tollers Stück Hoffnung und einen Ausweg entgegen.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Luise Voigt gelingt mit »Das Buch der Unruhe« am Düsseldorfer Schauspielhaus ein Kunststück: Aus Fernando Pessoas schwer greifbarer Sammlung von Gedankensplittern, Melancholien und Weltzweifeln formt sie keinen Literaturabend, sondern einen rauschhaften Theaterparcours. Mit Mut zur Radikalität und einem Höchstmaß an Fantasie übersetzt die Regisseurin die Vorlage in grandiose Bilder, Klangräume und Szenen, die zwischen Poesie, Komik, Schmerz und Gegenwartsdiagnose nur so funkeln.

Und der Abend vertraut dem Publikum: Nichts wird erklärt, nichts vorgekaut, alles bleibt offen für Deutungen. Auch darin liegt seine Kraft. Luise Voigt zeigt eine Welt in Schieflage, erschüttert von Mittelmaß, Krisen und Hybris, und lässt zugleich die Sehnsucht nach einem selbstbestimmten, offenen Leben aufscheinen. Getragen von einem starken Ensemble entsteht ein wildes, kluges, sinnliches Theaterereignis, das irritiert, bezaubert und lange nachwirkt. Diese Inszenierung beweist, wie lebendig, riskant und notwendig Theater sein kann.

Jury-Statement (ENG)

Frank Hilbrich für »Rummelplatz« | Die Theater Chemnitz

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Jury-Begründung:

Matthew Wild gelingt mit seiner Inszenierung eine kluge Lesart des Werkes mit meisterhafter Figurenführung. Besonders originell ist die Verschränkung von Werk und Biografie. Indem Wild Bezüge zu Benjamin Britten und dessen Lebensrealität als homosexueller Außenseiter seiner Zeit in die Inszenierung integriert, erweitert er den Blick auf die Oper um eine zusätzliche Ebene, die sowohl heutige gesellschaftliche Relevanz beweist als auch im Werk selbst verwurzelt ist. Die Geschichte wird so zu einer Reflexion über gesellschaftliche Normen, über den Umgang mit Anderssein und über die zerstörerische Kraft von Vorurteilen. Dabei vermeidet die Inszenierung jede plakative Festlegung und eröffnet stattdessen einen Raum für unterschiedliche Lesarten. Im Mittelpunkt steht dabei die Frage nach den Mechanismen gesellschaftlicher Zuschreibung und Ausgrenzung.

Wild erzählt »Peter Grimes« nicht allein als Geschichte eines Außenseiters, sondern als Untersuchung darüber, wie Verdacht, Gerücht und kollektive Gewissheit entstehen. Mit feiner Klinge zeigt Wild eine Gemeinschaft, die ihre eigenen Wahrheiten hervorbringt und diese zunehmend gegen den Einzelnen richtet. Der Chor wird dabei zum eigentlichen Motor des Geschehens. Gerade in dieser Verbindung von musikalischer Präzision, intelligenter Werkanalyse und großer emotionaler Wirkung entfaltet die Inszenierung ihre besondere Kraft.

Jury-Statement (ENG)

Hanna Bylka-Kanecka für »MOPPS« | Staatstheater Mainz

Jury-Begründung:

Hanna Bylka-Kanecka ist Choreografin, Performerin und Kuratorin. Sie selbst sagt von sich, dass sie ihre größte künstlerische Inspiration aus der körperlichen Beobachtung der verschiedenen Aspekte ihrer eigenen Mutterschaft schöpfe. Am Staatstheater Mainz hat sie mit vier Tänzer:innen ein wundervolles, interaktives Tanzstück für ein Publikum ab drei Jahren erschaffen. »MOPPS« ist eine Tanzperformance rund um das Putzen. Nicht nur sind die Bühnenelemente ausschließlich aus Putzmaterialien, auch ist das gesamte Bewegungsrepertoire assoziativ aus verschiedenen Putzvorgängen erfunden. Da wird gewischt, gefegt, geschrubbt, gerieben – nicht realistisch, vielmehr als Basis für die Choreografie. Aus den vorhandenen Wischmopps und Lappen enstehen die Füße eines Pinguins oder die Federn eines Vogels.

Das Publikum befindet sich mit den Tänzer:innen in einem Raum auf dem Boden. Während der gesamten Performance ist das Publikum immer wieder in Bewegung, bis es gegen Ende in einem geführten Parcours selbst zum Tanzen, Hüpfen und Springen animiert wird. Am Schluss wird von allen gemeinsam alles wieder spielerisch aufgeräumt. Hier ist eine Choreografin am Werk, die ihr Publikum kennt, und die mit ihrem Ensemble experimentiert, was mit dem Publikum gemeinsam geht. Dabei bietet sie ihren Tänzer:innen einen sicheren Boden und nimmt den Tanz ernst. So entsteht Vorstellung, die für alle ab drei Jahren ist und, in der alle auf ihre Kosten kommen.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Das Stück »FIESTA« (von Gwendoline Soublin) in der Regie von Catharina Fillers ist nah an der Lebensrealität von Kindern ab neun Jahren inszeniert. Es geht im Stück um den zehnten Geburtstag von Nonno, der in die Weltgeschichte eingehen soll. Wäre da nicht der Sturm Maria-Theresia, der alle in Atem hält. Wenn Erwachsene Kinder spielen, kann es schnell zu einem Nachmachen werden. Ganz anders ist das hier. Die Erwachsenen bleiben Erwachsene, nehmen aber die Äußerungen und Dialoge der kindlichen Rollen ernst, sodass sie zu passenden Aussagen werden. Etwa die, dass der eigene Geburtstag ein Fest sein muss, oder dass es weh tut, wenn man einen wichtigen Menschen verliert.

Der Bühnenraum ermöglicht es den Kindern, nah an den Spielenden zu sein. Dabei werden Theatermittel kreativ eingesetzt, um komplexe Geschichtsdetails darzustellen. Das echtzeit-theater schafft seit 2011 künstlerische Erlebnisse, die Raum für Imagination und Interpretation öffnen. Mit Catharina Fillers hat das Theater dafür die ideale Regisseurin gefunden.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Angelehnt an Peter Handkes »Die Stunde, da wir nichts voneinander wussten« ist die Leipziger Inszenierung »Wimmelstadt« von Sandra Strunz eine Arbeit, die fast ohne Sprache funktioniert und dabei die Alltagsbegegnungen unterschiedlichster Menschengruppen darstellt. Sie ist reich an Kreativität, Witz und Theatermagie.

Sandra Strunz hat für diese Arbeit genau hingeschaut, hingehorcht und hineingespürt. Ihre Inszenierung ist eine Aufforderung zum bewussten Leben. Es passiert viel auf der Bühne: angefangen von den ersten Tauben des Tages bis hin zu choreografiertem Fußballballett oder Straßenmusiker:innen, die im richtigen Moment genau den richtigen Song singen. Die Schönheit dieser Inszenierung liegt darin, dass es unmöglich ist, alles ausführlich zu sehen. Sie ist unerschöpflich – jeder Blick offenbart etwas Neues. In ihrer Inszenierung »Wimmelstadt« lässt Sandra Strunz in poetischen, sehr genau beobachteten Alltagsbildern ihre Liebe zum Theater und zum Menschen wimmeln. Die Regisseurin, zeigt in dieser Arbeit, dass sie ein gutes Gefühl für Raum, Rhythmus und Reibungen auf der Bühne hat. Das macht jede der siebzig Minuten der Inszenierung erlebenswert.

Jury-Statement (ENG)

Mehmet Akal & Kazim Akal (Bühnenbild & Videoanimation) für »Katzelmacher« | Münchner Kammerspiele

Jury-Begründung:

Mit ihrem Bühnenbild für »Katzelmacher« schaffen Mehmet Akal & Kazim Akal einen kompromisslosen Theaterraum von großer visueller Kraft. An die Stelle realistischer Milieuschilderung tritt eine künstliche Welt zwischen Popästhetik, digitalem Bildraum und gesellschaftlichem Albtraum. Der Raum wird zum zentralen Bedeutungsträger der Inszenierung: Er macht Mechanismen von Ausgrenzung, Angst und Gewalt unmittelbar erfahrbar und überführt Rainer Werner Fassbinders Stoff präzise in eine eigenwillige Kunstwelt. Durch die Verbindung von analogen und digitalen Elementen entstehen eindringliche Bilder, die sich nachhaltig ins Gedächtnis einschreiben. Besonders überzeugend ist die Konsequenz, mit der das Bühnenbild aus sich heraus erzählt. Mehmet Akal & Kazim Akal gelingt eine Arbeit von außergewöhnlicher künstlerischer Autonomie, die den Abend bestimmt. Diese Bühne verbindet zwingend ästhetische Innovation mit gesellschaftlicher Relevanz.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Das Bühnenbild von Ida Müller für »Peer Gynt« sprengt jeden Theaterraum, selbst den der Volksbühne, die sich in den vergangenen 30 Jahren als Meisterin überbordender Szenografien bezeichnen darf. Müllers über Jahrzehnte weiterentwickelte, sehr eigene Bildsprache führt bei dieser Produktion zu einer visionären Synthese: Sie verbindet Zitate aus dem Figurentheater mit radikaler, psychotischer Maskerade. Ihre hochemotionalen, stark grotesken Maskierungen entfremden die Spielenden und verschmelzen sie mit dem Raum zu einer schrillen Comicwelt für Antihelden mit manischen Wahnvorstellungen. So schwer diese Überforderung zu ertragen ist, so genial setzt Müller damit der psychologischen Realität Henrik Ibsens ein wagemutiges, vor Kraft strotzendes Gegengewicht entgegen. Sie erzählt uns eine visuell raumgreifende Fabel über gesellschaftliche Entfremdung und die Verformung des menschlichen Egos. Ihre maximalistische, obsessive Ästhetik greller, chiffrierter Bildwelten und ihr handgemalter verstörender Expressionismus treiben dieses Gesamtkunstwerk auf die Spitze.

Jury-Statement (ENG)

Andy Besuch für »Penthesilea & Der zerbrochene Krug« | Deutsches Nationaltheater und Staatskapelle Weimar

Jury-Begründung:

Andy Besuch gelingt in »Penthesilea & Der zerbrochene Krug« ein Kostümbild von außergewöhnlicher künstlerischer Freiheit bei gleichzeitiger dramaturgischer Präzision. Seine Entwürfe schaffen einen Bildraum, der die beiden scheinbar gegensätzlichen Werke verbindet und zugleich ihre jeweiligen Welten präzise konturiert. Mit klaren Silhouetten und einer Bildsprache zwischen Mythos, Gegenwart und Zukunft werden die Figuren zu Träger:innen von Macht, Begehren, Gewalt und gesellschaftlichen Rollen. Farbe fungiert dabei nicht als dekoratives Element, sondern als dramaturgisches Instrument, das Zugehörigkeiten, Konflikte und Verschiebungen sichtbar macht.

Besonders beeindruckend ist die Selbstverständlichkeit, mit der sich die hohe konzeptionelle Setzung der Kostüme mit ihrer unmittelbaren Wirksamkeit auf der Bühne verbindet. Die Kostüme strukturieren den Abend, prägen die Wahrnehmung der Inszenierung nachhaltig und entfalten eine außergewöhnliche Präsenz. Andy Besuch gelingt eine Arbeit von großer Eigenständigkeit, die unverwechselbare Bilder schafft und die künstlerische Aussage des Abends maßgeblich prägt.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Das Kostümbild von Carolin Mittler für die Oper »Die Drei Rätsel« in zwei Akten für Kinder und Erwachsene brilliert durch eine besonders präzise Charakterzeichnung. Mittlers radikaler Einsatz von pointierten, figurenzeichnenden Kostümelementen verwandeln das gesamte Ensemble in wahrhaftige Sagenfiguren von unverkennbarer Komik und Schärfe, ganz ohne sie dabei bloßzustellen. Mittler geht noch einen Schritt weiter, indem sie durch schnitttechnische Einschränkungen Einfluss auf die Spielenden nimmt.

Ihrem Kostümbild ist es maßgeblich zu verdanken, dass diese gesellschaftskritische Geschichte über die Deformation einer starren Erwachsenenwelt visuell erlebbar auf der Bühne erzählt wird. Ohne Detailschärfe aufzugeben, gelingt es Mittler, ihre bildstarke Ästhetik auf der Opernbühne mit großem Ensemble und Kinderchor zu zeigen. Ihr barocker, handwerklich perfekter Entwurf erfindet liebevoll ein Gegenmodell zu alltäglicher Monotonie — mit detailreichen, farbenprächtigen und augenzwinkernden Kreationen.

Jury-Statement (ENG)

Mehmet Akal & Kazim Akal (Videoanimation), Enik (Komposition & Sounddesign) für »Katzelmacher« | Münchner Kammerspiele

Jury-Begründung:

Mehmet Akal und Kazim Akals Bildsprache in »Katzelmacher« ist von außergewöhnlicher Eigenständigkeit und Imaginationskraft. Aus den fragmentierten Textstücken von Rainer Werner Fassbinders »Katzelmacher« entwickeln sie einen Strom überraschender, grotesker und präziser Bilder. Zwischen U-Bahn, Plüschtieren, Computerspiel, Horrorvision und Popüberzeichnung entstehen dichte, schrille Bildräume. Während im Text Sätze wiederholt werden, führen die Bilder in ständig neue digitale Welten. Sie verschieben Perspektiven, erzeugen Widersprüche, schaffen Assoziationsräume und setzen einen klaren Gegenpol zur in der Sprache eingeschriebenen Gewalt.

Die technisch virtuose Umsetzung der digitalen Bildräume trägt, besonders in enger Verzahnung mit dem Sounddesign, wesentlich zu dieser Wirkung bei. Bild, Klang und Rhythmus bilden ein intensives Gewebe, das die gesamte Form des Stückes mitbestimmt.

Jury-Statement (ENG)

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Nils Corte, Phil Hagen Jungschlaeger, Lena Rucker

Jury-Begründung:

Die postdigitale Tragikomödie »Ich hasse Menschen« begegnet den zentralen existenziellen und sozialen Fragen technologischer Umwälzungen durch Maschinenintelligenz nicht allein kritisch, sondern auch operativ und voller Humor. Das Zusammenspiel des Saugroboters Volker, Kühlschrank Frosti und des Routers Conny mit den Schauspieler:innen und einem automatisierten LLM-Chat funktioniert reibungslos. Künstliche Intelligenz ist dabei nicht allein Diskursgegenstand, sondern wird in dieser Stückentwicklung auf ihre narrativen Potenziale und Unzulänglichkeiten hin untersucht und effektvoll eingebunden.

Daraus entsteht ein lebendiges Schauspiel, in dem Robotik, Projektion (VR-Welten, KI-Videos, Staubsauger-POV, KI-Kommentar und vorproduziertes Material), Audio-Zuspieler und ein dynamisches Darsteller:innenensemble sehr gegenwärtiges Theater erzeugen, das Risse und Löcher in die glatten, uns umzingelnden KI-Blackboxen schlägt.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

In »Mazeppa« verwandelt Vincent Stefan Opernmusik in eine starke, eigenständige Bildwelt. Die Videos wirken wie Kino auf der Bühne: Ästhetisch und packend wird eine faszinierende eigene Superheldenwelt kreiert. Die starke Bildkompositionen und eine Vielzahl perfekt eingesetzter filmischer Mittel setzen emotionale Nuancen und öffnen den Blick für innere Konflikte der Figuren.

Der Film schafft es, immer wieder zu überraschen und dennoch im Narrativ zu bleiben. Es gelingt eine Adaption der Zeit, den Protagonisten auf seinem Werdegang zu begleiten sowie seine Transformation mitzuerleben. Film- und Bühnenwelten verschmelzen durch die grandiose fiktionale Performance vor, wie hinter der Kamera und der Filmmontage, alles greift rhythmisch präzise abgestimmt ineinander. So entsteht eine faszinierende Superhelden-Ästhetik von großer Bildkraft und klarer narrativer Spannung mit Tragik sowie Komik.

Sämtliche Bilder lassen die Zuschauer:innen (mit Cape) durch den Abend fliegen.

Jury-Statement (ENG)

Dominik Breinlinger, Julian Kämper, Felix Kruis (3D-Soundtheater), Benno Heisel (Musikalische Leitung, Komposition), Katharina Mayrhofer (Regie) für »Just Listen« | Bayerische Staatsoper & Schauburg - Theater für junges Publikum in München

Jury-Begründung:

Die Welt durch die Ohren einer anderen Person wahrnehmen: Das Musiktheater »Just Listen« eröffnet uns den Kosmos einer besonderen Schule aus verschiedenen Perspektiven: Sänger:innen und Spieler:innen tragen winzige binaurale Mikrofone und das Publikum, das verteilt im »Just Listen«-Bühnenbild in einer Turnhalle Platz findet, hört dank ebensolcher Kopfhörer die Welt aus der Perspektive einer Person. In der Regie von Katharina Mayrhofer haben Julian Kämper, Felix Kruis und Dominik Breinlinger ein dramaturgisch gedachtes technisch-künstlerisch stimmiges Konzept für ein besonderes 3D-Soundtheater entwickelt: Das Publikum nimmt auf sinnliche Art und Weise die Welt anders wahr und taucht ein in eine vielschichtige Erzählung aus Gerüchten und sozialen Dynamiken. Die Welt aus anderer Perspektive erleben zu können, macht sie in »Just Listen« zu einer veränderbaren.

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Mit »Dinge I über I Leben« schafft Ayşe Güvendiren eine Verbindung zwischen Theater, Museum, dokumentarischer Recherche und performativer Erinnerungskultur. Die Bühne wird dabei zu einem begehbaren Museum, einem Ort der Erinnerung und einer theatralen Begegnungsstätte. Inspiriert vom Leben der Solinger Friedensbotschafterin Mevlüde Genç entwickelt Güvendiren eine Theaterform, in der Objekte, Geschichten, Musik und die Präsenz der Darstellenden miteinander verbunden sind.

Die Schauspieler:innen werden zu Museumswärter:innen, Vermittler:innen und Zeug:innen. Im Zusammenspiel von dokumentierten Quellen, künstlerischer Vorstellungskraft und kollektiver Erinnerung entsteht ein Raum, der historische Aufarbeitung, gesellschaftspolitische Reflexion und sinnliche Theatererfahrung miteinander vereint.

»Dinge I über I Leben« eröffnet neue Wege des Erinnerns und Erzählens. Die Produktion macht sichtbar, wie Theater über seine Formen hinausgreifen kann, ohne seine Unmittelbarkeit zu verlieren. Gerade in dieser innovativen Verbindung unterschiedlicher künstlerischer Sprachen ist diese Inszenierung ein Genrespringer!

Jury-Statement (ENG)

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Jury-Begründung:

Mit »Staub« erschafft das O-Team einen eindringlichen theatralen Ausnahmezustand. In einer vor den Augen des Publikums zerfallenden Wohnung lösen sich Tapeten von den Wänden, Gegenstände werden zu Spielpartner:innen. Aus Schutt, Staub und Alltagsobjekten entwickeln die Performer:innen in einem wortlosen, hochpräzisen Zusammenspiel aus Körper, Material und Klang eine poetische Choreografie des Zerfalls.

Die Produktion verbindet – ohne Worte – Objekt- und Figurentheater, Performance, Sound, Bildende Kunst und Installation zu einer eigenständigen Form, die sich jeder eindeutigen Zuordnung entzieht. Materialien werden zu Akteur:innen, der Bühnenraum zu einer lebendigen Skulptur und der Sound zu einer körperlich erfahrbaren Kraft. So entsteht ein dichter, sinnlich erfahrbarer Theaterraum, der die Zuschauer:innen unmittelbar in das Geschehen hineinzieht.

Gerade in dieser konsequenten Überschreitung von Genregrenzen verkörpert »Staub« die Kategorie »Genrespringer« in exemplarischer Weise.

Jury-Statement (ENG)

Die Nominierten

Darsteller:in Tanz

Darsteller:in Schauspiel

Darsteller:in Musiktheater

Darsteller:in Theater für Junges Publikum

Choreografie

Regie Schauspiel

Regie Musiktheater

Regie Theater für Junges Publikum

Raum

Kostüm

Medien

Genrespringer